“Antropoide”
Nota del editor: este artículo se presenta en colaboración con el lanzamiento de “Anthropoid” de Bleecker Street, dirigida por Sean Ellis y protagonizada por Jamie Dornan y Cillian Murphy. “ Antropoide ” ahora está jugando en los cines.
Esta semana, “Anthropoid” busca unirse a las filas de una rica y compleja historia cinematográfica: películas sobre la Segunda Guerra Mundial. Un conflicto global que ha generado historias globales, la Segunda Guerra Mundial continúa siendo la base de películas que desafían nuestras percepciones. “Antropoide” descubre un episodio de antes de que la lucha se detuviera, centrándose en el intento de asesinar al general de alto rango de las SS Reinhard Heydrich. El escritor / director Sean Ellis usa la misión de la vida real como telón de fondo para un conjunto talentoso, que incluye a Cillian Murphy, Jamie Dornan y Toby Jones.
Lo mejor de estas películas modernas de la Segunda Guerra Mundial nunca pierde de vista la idea de que se trataba de un conflicto luchado por individuos. Sus armas y sus ideologías eran variadas, pero esta era una historia guiada por personas que no se clasificaban fácilmente en simples columnas morales. Algunas de sus luchas personales llegaron a representar el conflicto que envolvió a tantos, pero estos cuentos específicos dejaron marcas indelebles en nuestra concepción de una guerra que terminó hace más de siete décadas.
Salvando al soldado Ryan
Hay películas de guerra antes de “Salvar al soldado Ryan” y películas de guerra después de “Salvar al soldado Ryan”. Ninguna otra película en esta lista hizo más para alterar fundamentalmente cómo imaginamos el mayor conflicto armado del siglo XX, y ninguna otra película sobre este list hizo más para alterar fundamentalmente cómo lo representamos en pantalla. La obra maestra de Steven Spielberg en 1998 cambió el juego al acercarnos más a la acción que nunca, comenzando con la secuencia incomparablemente visceral de Normandy Beach que capturó el grotesco espectáculo de horror de una invasión y nos mostró como si estuviéramos allí en las arenas de Francia . Centrándose en el valor de una sola vida humana a través de una serie de batallas en las que hombres valientes cayeron como moscas, “Salvando al soldado Ryan” reavivó nuestro amor por las películas de la Segunda Guerra Mundial quitando al género su apariencia romántica. – David Ehrlich
El pianista
La victoria de Roman Polanski como Mejor Director fue una de las más sorprendentes en la historia de los Oscar. Para Polanski, quien de niño sobrevivió al Ghetto de Cracovia después de perder a su madre, la película sobre la lucha de un músico judío polaco (interpretado por Adrien Brody) para mantenerse con vida después de que los nazis invaden Polonia es clara y profundamente personal. Si bien el arte cinematográfico detrás de la película es puro Polanski, se destaca como una de las narraciones más directas y poco irónicas del director. La película es una historia notablemente simple, desprovista de dispositivos de trama construidos para extraer emociones de la audiencia, sobre la supervivencia en medio de la destrucción. Sin embargo, su examen tranquilo y sin pretensiones de la vida, el arte y el mal es una de las películas más conmovedoras que se haya hecho. – Chris O’Falt
Libro negro
La película del Libro Negro del director Paul Verhoeven es tres películas envueltas en una. En un nivel, es un thriller al borde de tu asiento sobre una joven judía (Carice van Houten) que escapa de los nazis y luego se une a un movimiento de resistencia agresivo y arriesgado. También es una historia de espías, casi amorosa, ya que la heroína se convierte en un agente secreto que se infiltra en el Tercer Reich y desarrolla sentimientos por su marca. Enmascarado debajo del peligro de vida o muerte, la diversión y, a menudo, los lados sexys, y algunos giros de trama tremendos, el siempre subversivo Verhoeven no puede obligarse a hacer una película simple sobre el bien contra el mal, incluso en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. – CO
Expiación
Cada película de la Segunda Guerra Mundial es triste de alguna manera, pero pocas (si es que hay alguna) son tan devastadoras como la “Expiación” de Joe Wright, que capturó cada cucharada de devastación que Ian McEwan escribió en su novela del mismo nombre, y las sirvió. con un nuevo grado de intensidad desgarradora. Dividida en tres partes separadas (cada una de las cuales agrava la tragedia de la anterior), la película cuenta la historia de una rica mujer británica (Keira Knightley), el hijo de la criada con quien comparte una fatídica cita (James McAvoy), y el niña cuya falta de discreción interrumpe sus posibilidades de felicidad y hace que la pareja se separe en espiral. Al exponer una narrativa delicadamente personal desde los días anteriores a Dunkerque hasta el futuro lejano que dio forma, “Expiación” es un ejemplo desgarrador de cómo cada guerra mundial es la suma de un millón de odiseas íntimamente personales. – DE
Bastardos sin gloria
Quentin Tarantino tomó prestado el nombre, pero no la ortografía, de una película de guerra de finales de los 70 para su película “Inglourious Basterds” de 2009, una historia alternativa de la Segunda Guerra Mundial sobre un grupo de soldados judíos estadounidenses en una misión para asesinar a líderes nazis. La película no es una nueva versión, pero hay similitudes entre los hooligans sedientos de sangre de Tarantino dirigidos por el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) y los delincuentes soldados en los “Bastards” originales. A pesar de su premisa ficticia, “Bastardos sin gloria” es una vívida Representación de la Francia ocupada por los nazis que funciona como el lienzo perfecto para la violencia gráfica de Tarantino. Entre otras cosas, la película será recordada por la actuación destacada del actor austriaco-alemán Christoph Waltz, quien ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación del oficial nazi SS Coronel Hans Landa, uno de los personajes más persuasivamente malvados de los últimos años. historia cinematográfica – Graham Winfrey
Stalingrado
Solo era apropiado que Rusia hiciera su primera incursión en el salvaje mundo del cine IMAX 3D con la versión masiva de Fedor Bondarchuk de la Batalla de Stalingrado. Algo incómodamente enmarcado por una tragedia moderna, el terremoto y el tsunami japoneses de 2011, la película alcanza su ritmo cuando lleva a su audiencia al interior de la miseria no adulterada de la campaña de 1942 que resultó en casi 2,000,000 de bajas en ambos lados de la batalla. A pesar de los antecedentes rusos y la buena fe de la película, Bondarchuk se esfuerza por mostrar ambos lados de la lucha, cambiando entre soldados alemanes y un contingente ruso. A pesar de la naturaleza bombástica de la película, IMAX 3D, hola, la película está en su mejor momento cuando se profundiza en el profundo vínculo emocional entre la bella huérfana Katya y la banda de soldados rusos que llegan a ser sus protectores (y uno que llega a ser mucho más). La filmación a gran escala es lo suficientemente impresionante, pero los intentos de la película de equilibrar la guerra con el amor, el alemán con el ruso, el dolor con la esperanza son lo que realmente lo distingue. – Kate Erbland
Furia
David Ayer demostró sus habilidades como director con “Fury”, un drama visceral de tanques de la Segunda Guerra Mundial. Protagonizada por Logan Lerman y Brad Pitt, y con algunos giros de apoyo increíbles de personajes como Michael Peña y Shia LaBeouf, “Fury” sigue a un equipo de tanques de cinco hombres mientras se embarcan en una desgarradora misión para romper una ofensiva nazi. Ayer siempre ha sido un director obsesionado con la violencia extrema y los lazos de hermandad / familia, y “Furia” representa la síntesis más poderosa de sus dos pasiones. Su elenco sin esfuerzo crea una historia compartida entre sus personajes, mientras que la violencia infligida y recibida pinta la conmoción y el asombro de la guerra con una espontaneidad nauseabunda. Examinar la pérdida de la inocencia en tiempos de guerra no es necesariamente una idea nueva, pero la recreación sombría y brutal de Ayer de las batallas (y la intensidad claustrofóbica de estar dentro de un tanque durante ellas) crea una película de guerra que se siente tremendamente nueva. – Zack Sharf
El viento aumenta
Studio Ghibli no es ajeno a los retratos ricos y devastadores de la Segunda Guerra Mundial en Japón, después del clásico de 1988 de Isao Takahata “Grave of the Fireflies”. La canción de cisne de 2013 del cofundador de Ghibli, Hayao Miyazaki, es más sobre el período previo al conflicto que su secuelas, pero el poder emocional todavía está allí en su gloria finamente dibujada. Esta película biográfica animada del diseñador aeronáutico japonés Jiro Hirokoshi nunca pierde de vista el poder de sus creaciones, convirtiéndose en un villano no del hombre, sino en la manipulación de los combatientes Mitsubishi que diseñó. Uno de los esfuerzos menos imaginativos de Miyazaki (a pesar de tejer visiones y sueños de los ídolos de Jiro), la película sigue siendo un tributo agridulce al poder de la invención y el descubrimiento. Como la declaración final de uno de los talentos titánicos de la animación, la historia de Jiro refleja las maravillas gemelas y las consecuencias de las actividades artísticas en tiempos de incertidumbre. – Steve Greene
Intacto
La desgarradora aventura de supervivencia de la Segunda Guerra Mundial “Ininterrumpida” no se habría producido sin una estrella poderosa detrás de ella. Para su segundo concierto de dirección, Angelina Jolie hizo la historia de Louis Zamperini inmortalizada por Laura Hillenbrand con un presupuesto de Universal de $ 65 millones: modesta para una película de guerra de época con escenas en el aire, en el agua y en un campo de prisioneros japonés. Jolie lanzó la película de manera creativa, rastreando al duro actor británico Jack O’Connell para el protagonista y elegante estrella de rock japonesa Miyavi como el sádico oficial japonés que señala a Zamperini por abuso crónico. Desde el principio, Jolie quiso usar la dramática confrontación en el campo de prisioneros entre “El pájaro” y Zamperini con un pesado rayo como momento culminante de la película. El director lo vio como dos pistoleros tratando de averiguar quién iba a dibujar primero y quién iba a sobrevivir. Jolie presentó una narrativa atractiva, bien actuada y directa con un alto grado de dificultad que nunca fue fácil de vender. – Anne Thompson
Hijo de Saul
Tan pronto como “Son of Saul” jugó en competencia para elogios y premios en Cannes 2015, era inevitable que ganara el Oscar en idioma extranjero. El exclusivo thriller de la Segunda Guerra Mundial fue realizado por dos estudiosos del Holocausto. El director novato László Nemes trabajó como asistente de dirección en Francia y Hungría (con Béla Tarr) antes de conocer al poeta Géza Röhrig en Nueva York cuando Nemes estudiaba dirección de cine en la Universidad de Nueva York. Röhrig hace su debut como Saul, un prisionero de guerra judío en Auschwitz en 1944. La cámara de 35 mm de Nemes, enfocada con precisión, sigue de cerca el punto de vista parpadeante del Sonderkommando mientras hace el trabajo sucio de los nazis en los crematorios, moviéndose por el campamento, buscando enterrar a un joven no identificado. La acción inmersiva de la película y el diseño de sonido intrincadamente en capas revelan la horrible escala de la masacre masiva de judíos. Inspirado en el libro “Voces de debajo de las cenizas”, que presenta relatos de testigos oculares de Sonderkommando que enterró sus testimonios, Nemes basa su narrativa en el funcionamiento cotidiano auténtico y tangible de una fábrica de muerte. No se olvida pronto.